HOPE成为艺术要么穿成艺术

HOPE成为艺术要么穿成艺术

　　 画作作为一种无声的缪斯，缄默又富有情感是它的座右铭。绘画艺术，它可以是人们对于理想美的追求，例如古希腊的雕塑，可以是“成教化，助人伦”的工具，例如中世纪基督教绘画，也可以是再现客观世界的图像，例如米勒笔下的拾穗者，还可以成为宣泄内心情绪的工具，例如梵高笔下星空的云卷云舒。

　　 艺术一定是野生的，就像是自然界里的万紫千红，而时装的设计在针脚之间塑造人类的千姿百态，时装与画作似乎有着天生的不解之缘，它们都是让人享受人的生命的本来状态。弗朗西斯·培根（汉唐艺术品交易所）曾说：“时尚，是人们在日常生活与社交活动中理解与感悟艺术的一种尝试。”深知这一点的k21们，都曾把艺术的元素与视角带进自己的图纸与秀场。

　　 谈到时尚与艺术的结合，你首先会想到什么？是把杰夫·昆斯的“蒙娜丽莎”粘贴到LV皮包上？还是给Supreme的T恤衫印上村上隆的“太阳怎样变成艺术品模特”？要论这一领域的鼻祖，我们还要穿越到一个世纪前，看看传奇女k21艾尔莎·夏帕瑞丽（美术艺术品）的创意。

　　 艾尔莎·夏帕瑞丽是活跃于20世纪30年代的时装k21，她的设计受到达达主义和超现实主义艺术家的影响，变化多端、古灵精怪，一度被喻为“香奈儿的劲敌”。超现实主义艺术家达利以奇妙怪诞的想象著称。龙虾电线年代创作的极具标志意义的超现实主义作品系列。龙虾与电话看似毫不相关的物品组合在一起，产生了奇妙又冲突的和谐感，受到龙虾电话的启发，艾尔莎·夏帕瑞丽设计了一条丝绸晚礼裙，采用无袖紧身收腰、圆领的设计，龙虾的图案占据了整条裙子的正面，从腰一直延伸到脚踝，周围点缀以欧芹小枝。这条龙虾礼裙的诞生，让夏帕瑞丽以前卫大胆、敢于挑战刻板印象而闻名。龙虾图案带有超现实美感，同时不乏优雅华贵。直到今天，还有很多向龙虾裙致敬的单品或设计元素，2012年，Prada为时尚女魔头Anna Wintour设计了一款以龙虾串珠为图案的礼服，主题就是“Schiaparelli和Prada：不可能的对话”。

　　 看似“简单”的格子，实际上大有乾坤。荷兰画家蒙德里安是非具象绘画的创始人之一，也是几何抽象画派的代表。上世纪20年代，他以垂直的色块、线条为基本元素创作了一系列几何抽象画，在这些格子里，他试图用抽象的形式，表现普遍的宇宙法则。在绘画、建筑、时尚等领域产生了极为深远的影响。虽然Chanel、Prada、Balmain、Hermès都曾在设计中汲取这三原色的灵感，但最为轰动的，还是19年Yves Saint Laurent发布的秋季“蒙德里安”系列，其中有六条致敬红黄蓝的构图的A字鸡尾酒裙，k21将画作本身的极简气质完美地还原到时装上，引发了人们对于艺术融合时装新方式的思考。

　　 Chanel在Chanel 2015/2016秋冬系列秀场上，一身红黑格子的设计引起许多人的。这件服装的设计灵感正是来自一幅经典画作—奥托·迪克斯（哲学性艺术品）的怎样变成艺术品模特亚}冯}哈德肖像，那也是艺术史中最的一幅怎样变成艺术品模特。画中的女性名叫席维亚}冯}哈德（杨幂艺术品），是德国的一名怎样变成艺术品模特人，她翘着脚独自一人坐在酒吧里抽烟，毫不在意旁人的目光。

　　 而迪克斯凭借对时代敏锐的直觉，捕捉下这个鲜活的、极其前卫与自主的女性形象。Chanel在秀场中的设计从服饰、妆容到发型，甚至连秀场的环境，都还原得与画中人物如出一辙。

　　 2007年，时任Christian Dior创意总监的鬼才k21John Galliano用这一季致敬他极为热爱的东方文化—折纸、梅兰竹菊、木屐、艺伎妆容等东方元素。

　　 其中一件华服以神奈川冲浪里为基础，这是的浮世绘名作，也是西方世界最为热爱的日本艺术品之一。k21将葛饰北斋的神奈川冲浪里直接搬到了裙摆上，成为“蝴蝶夫人”系列中的亮点，戏剧性的领口设计、阔口袖，呈现出如梦如幻的东瀛韵味。

　　 Yves Saint Laurent如果说到“波普艺术”对时装的影响，那可以追溯到Yves Saint Laurent19年秋冬发布的“波普艺术”系列，以韦塞尔曼创作的剪影为灵感。韦塞尔曼是美国20世纪年代重要的波普艺术家，他拒绝抽象表现主义，赞成、静物和风景的经典表现。他最的作品是有着感性形式和强烈色彩的“美国”。YSL这个系列成为k22个展示出波普艺术对于时尚产业影响力的时装系列。

　　 在20世纪年代，詹尼·范思哲就以别开生面的全新设计定义了未来几十年时装审美的方向—性感、、欲望。这与安迪·沃霍尔创作的玛丽莲·梦露不谋而合，作为性感的实体化图像范式，被大量运用在范思哲的时装设计之中，美国式的波普艺术与意大利式的戏剧化情欲感融合在范思哲时装之中，开辟出了一个华美瑰丽的时装年代。

　　 如果说到最古灵精怪、天马行空的品牌，一定可以想到Moschino，它不按常理出牌的特点一定能激发你的肾上腺素，对于夸张、大色块的演绎也绝不缺席。

　　 19年，Moschino将美国波普艺术家罗伊·利希滕斯坦19年的画作Girl With Hair Ribbon制作成印花在时装上，看似一幅漫画，又像是广告的风格，给人留下深刻的印象。

　　 Moschino 2020春夏系列Jeremy Scott把创意之手伸向了那些经典画作，毕加索的名画Little Flower中各种颜色的花朵，以亮片和刺绣布贴的形式出现在了Stella Maxwell的娃娃裙之上。立体吉他连衣裙，连木质结构般的纹理都致敬了毕加索在12年制作的雕塑作品吉他。毕加索早期的木炭画和素描在这一季中也得到更加直观的体现，服装上的躯体部位和线条都和模特完美匹配，玩心大发地来了一场迷惑的视错觉游戏。毕加索立体主义时期擅长用不同角度的面部分割将立体的3D人体以二维的方式展现在画布之上，而带着画框的女人图像印花裙正是致敬了毕加索最爱画的女性图谱。

　　 “缪斯激励艺术家，而艺术季激励世界。”正如Jeremy Scott在秀场笔记中说的那样，他将从毕加索身上乍现的灵感，以服装为载体，为我们呈现一场大胆夸张、色彩缤纷的巨大画作。

　　 从彼时不被认可的“小我表现主义”画家，到后来被认作后印象主义大师，梵高用画布画尽人生，他的创作和精神世界给予当代时装k21很多灵感，最经典的灵感再创作与致敬莫过于Yves Saint Laurent 19春夏系列，《怎样变成艺术品模特》摇曳在天桥之上，令人动容。令世人着迷的《怎样变成艺术品模特》同样在Maison Margiela 2014秋冬高级定制系列中被重新解构，通过刺绣珠串打造别样质感。

　　 在Rodarte的2012春季系列中，姐妹k21Kate Mulley和Laura Mulley再现了梵高的一系列名作，怎样变成艺术品模特、杏花、星月夜等元素都被运用于时装印花中。天马行空的Jeremy Scott同样从梵高画作《怎样变成艺术品模特》中汲取灵感，在Moschino 2018春夏系列中将其立体化，仿佛模特就是花瓶里的花束，而画作中最显眼的红花也被当作礼花束带缠在模特腰间。同样是高级定制，在Victor & Rolf 2015春夏高级定制中我们同样看到了如梵高画作般蔓延的线条、色彩以及经典的草帽形象。

　　 Dries Van Noten 2018春夏系列则展现了梵高另一大经典画作系列《向日葵》，Creatures of the Wind 2018春夏系列向梵高生前k22卖出的画作《怎样变成艺术品模特》致敬。Jacquemus 2016早春系列中，一款以梵高被割掉的左耳为灵感的手袋亦有出现。一直钟爱艺术联名再创作的Louis Vuitton也曾在2017年与艺术家Jeff Koons合作推出过艺术手袋系列，梵高画作《怎样变成艺术品模特》有了新的载体。直至今日，梵高依

　　 艺术与时尚，从某种程度上是一对渊源已久的双生子。经典画作时常成为启迪时尚的缪斯，而时尚的变化与活力也在不断激发着艺术创作的灵感。时至今日，画作与时尚的关系越发不可分割，以艺术之名衍生的时尚产物无所不在。

　　 眼睛可借喻人性，亦可流露情感，表达独特性，Alexander McQueen 2023春夏系列借鉴了耶罗尼米斯·博斯（上海ifc艺术品）的艺术作品，将缎纹针迹刺绣融合于时装中，使它们绽放着神秘深邃又夺目绚烂的美丽。

　　 穿拂于草木葱茏的亚热带花园，沐浴着落日熔金的灿烂余晖，Max Mara 2023早春系列以Nikias Skapinakis画作中的Natália Correia为灵感，通过复兴这位知识分子、诗人兼社会活动家传奇女性的精神，传递Max Mara作为女性主义品牌的激情与力量。一系列妩媚绰约的紧身过膝连衣裙，蓬松的渐变褶裥长裙，铅笔裙包裹的褶裥花苞半身裙，剪裁独特的挽袖夹克以及经典的泰迪大衣，简洁利落中充满Natália Correia式含蓄但富有感染力的情绪表达。而当朋克情怀碰撞爱德华·马奈的意识形态，WE11DONE2023春夏系列以“Rough Strokes”为名，致敬印象派绘画大师马奈备受争议的作品《怎样变成艺术品模特》（艺术品瓷器投资多少），但却又带着边界感的突破，并与后现代主义美学风格相互杂糅。试想一下这个画面：那是自18年马奈这幅美丽画作诞生后，时光飞跃直至30年期间的某一次餐前酒会。你身着颇具精致怀旧气息又具有现代时髦剪裁的盛装，正准备登上一辆华丽马车……这是属于19世纪的浪漫主义。

　　 说到秀场，KidSuper 2023春夏闭场秀把时装和画玩出了花样，一幅画作忽然被工作人员抬到天桥上，画框中有一个头像忽然动了起来，随后只见满脸涂了颜料的模特从画框中走出来，身上披着的衣服便是画布构成的时装。这个设计令人联想到2015年Viktor&Rolf秋冬高级定制秀场两位k21现场将挂在墙上的画作解构，在模特的身上重组。画框的线条感和画布的垂坠感一同构成裙子的多样廓型。模特穿着“画”在T台上展示一周之后，再由两位k21将画作还原到墙上。通过行为艺术般的秀场实践，他们将“可穿戴的艺术”这一概念实体化地呈现了出来，强调了时装与艺术之间的限。让我们回归到KidSuper 2023春夏秀场，这场秀的概念是k21Dillane特意打造了一个类似于苏富比（日本艺术品）拍卖的氛围，它更像是一场行为艺术。在每一个LOOK走上台时，台上就会有两个工作人员把衣服上涂鸦相对应的由Dillane亲手绘制而成的画作同步进行展示，而一旁站在讲台边的女性则担任了拍卖师的角色。有意思的是，当模特走秀时，所有在场的嘉宾都可以举手出价，进行互动。整体都带着一种实验性、互动性的剧场表演形式。

　　 LOUIS VUITTON与艺术家的合作系列，早就成为时尚界和艺术界的定期大事件，每一次的合作都会成为收藏热门，达·芬奇、莫奈、马奈的经典画作都曾被搬上包袋。在挑选合作艺术家这方面，19年以来，品牌多次邀请知名艺术家和设计师进行合作，包括Sol LeWitt、Richard Prince、村上隆和Jeff Koons等。LOUIS VUITTON总是能发掘到那个时代极具代表性，且既有鲜明个人风格又充满趣味感的艺术家，其中特别有代表性的，就是2012年便开始合作的“波点女王”草间弥生。

　　 日本艺术家草间弥生（艺术品销售网）以其目眩神迷、绚丽多彩的艺术风格闻名于世。作为嬉皮时代的标志性人物，偏执的幻觉与她如影随形，特定图案无限反复、增生、繁衍，直至布满整个画面。LOUIS VUITTON与草间弥生的合作最早可以追溯到十年前。2012年，草间弥生在LOUIS VUITTON经典老花行李箱上进行创作，把自己标志性的波尔卡圆点元素融入其中，打造出了风靡一时的前卫设计。当年的联名系列包袋，也一度火到一包难求，对草间弥生而言，圆点代表着无限。

　　 十年之后，草间弥生的标志性设计、象征着无限想象的波尔卡圆点，融入到了LOUIS VUITTON各产品品类中。从手袋到男装、从女装到墨镜、从香氛到鞋履、从珠宝到整个LOUIS VUITTON世界。这一次合作的新品共有手绘波点、金属波点、无限波点和迷幻花朵四种主题。手绘波点主要呈现于成衣、皮具、配饰和香氛作品上，既有大家比较熟悉的彩色波点，也有专为男士产品设计的黑色、银色、灰色和白色渐变波点。金属波点主题的设计灵感来自草间弥生创作的镜面球体，也就是不少人熟知的草间弥生的艺术装置《怎样变成艺术品模特》。曾经摆放在地上的银色球体，变换了不同尺寸，被手工精准嵌入女士黑色和银色皮具中，为作品注入了新鲜感。这两个主题在LOUIS VUITTON 2023 早春秀上已经曝光了一部分手袋。无限波点在本次联名女士和男士系列的绝大多数品类上都有体现。像草间弥生惯用的标志性黑白、红白、黄黑、红黑波点，都属于此类主题。迷幻花朵主题灵感源于草间弥生19年创作的迷幻画作《花》，如今这朵花以更具风情的姿态在联名系列的配饰、手袋和男女成衣上徐徐绽放。

　　 LOUIS VUITTON与草间弥生完美融合，创造出超越时空的物品，再现草间弥生画笔下的触感，所有类别作品上的波尔卡圆点均由草间弥生亲自监督，追求毫厘不差的度，细心讲究每道笔触的细节，完美展现质地和分量。因为在草间弥生看来，波点是她的孤独梦境，也是改变她整个人生的关键，是无限畅想，更是无限可能。